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Exhibitions, Arts & culture

Faculty of Fine Arts Graduating Students Exhibition


Date & time
Monday, June 10, 2019 –
Friday, June 21, 2019
11 a.m. – 6 p.m.
Cost

This event is free

Wheel chair accessible

Yes

FOFA & VAV Galleries
(La version française suit l'anglais)

Elea Schmitter, Leidenschaften (detail), 2019. Installation.
Alexey Lazarev, Phantom Home (detail), 2019. Installation.
Louise Campion, Dynamics 4 (detail), 2019. Oil paint on wood panel, 2,7ft x 3,8ft.

The FOFA Gallery and VAV Gallery are pleased to present a dynamic collection of works as part of Concordia University’s Faculty of Fine Arts Graduating Students Exhibition. The exhibition moves through both the VAV and FOFA spaces and was juried and shaped to reflect the strength and diversity of practice of its graduating students.

Concordia’s Faculty of Fine Arts is recognized nationally and internationally for its artistic and academic excellence, driven by a distinguished faculty and demonstrated by the outstanding works produced by its graduating students.

The vernissage for the Graduating Students Exhibition will be held at the FOFA Gallery (1515 Ste-Catherine West EV 1-715) on Wednesday, June 12th, from 4 to 6 p.m. and is sponsored by the Concordia University Alumni Association.

Free admission, but RSVP is required to attend the vernissage. Please confirm attendance by clicking here

Exposition annuelle des finissants et finissantes en beaux-arts

Du 10 au 21 juin 2019

Galeries FOFA & VAV

Les galeries FOFA et VAV accueillent avec un immense plaisir l’exposition annuelle des finissants de la Faculté des beaux-arts de l’Université Concordia. Reflétant la fougue de leurs créateurs, les œuvres sélectionnées par le jury habillent les deux galeries. De même, leur présentation illustre le dynamisme et l’éclectisme des pratiques qui s’exercent ses finissants et finissantes.

Réputée tant au Canada qu’aux quatre coins du monde, la Faculté des beaux-arts de Concordia s’appuie sur un corps professoral du plus haut calibre. L’excellence de ses prestations en matière d’art et d’enseignement se devine sans peine dans les œuvres remarquables que produisent ses finissantes et finissants.

Le vernissage de l’exposition des finissants en beaux-arts se tiendra le mercredi 12 juin, de 16 h à 18 h, à la Galerie FOFA (1515 rue Sainte-Catherine Ouest EV 1-715). L’événement est commandité par l’Association des diplômés de l’Université Concordia.

L'admission est gratuite, mais les réservations sont nécessaires pour assister au vernissage. SVP confirmez votre présence en cliquant ici.

Artists & Artworks — Artistes et oeuvres

FOFA Gallery — Galerie FOFA

Janina Anderson, Unseen 2 (Metro-Test), 2018. Digital Photograph, Model and Digital Print on Bond Paper.

Janina Anderson uses collage as a way to think, to play, and experiment in order to generate meaning and insight into visual culture. The Unseen series is an opportunity for the viewer to reflect on how they are complicit in systems designed not only to oppress, but to normalize oppression. Because, ultimately, the first step in moving against oppression is training your eyes to see clearly that which is designed to be ‘unseen’.

Janina Anderson utilise le collage comme moyen de réfléchir, de jouer et d'expérimenter des manières d'engendrer des images productrices de sens et de nouvelles idées. La série Unseen invite l'observateur à réfléchir à sa participation aux systèmes oppressifs qui, en plus d'être coercitifs, banalisent l'oppression. Car, pour remettre en question l'oppression, il faut commencer par s'entraîner à voir ce qui passe inaperçu.

Amélie Bélanger, Eternal Remains, 2019. Multimedia installation, dimensions vary.

Amélie Bélanger creates work about a speculative future. Eternal Remains is act of non-existence. For her, the beings that she invokes, living and non-living, organic and in-organic are as distinct as she is. Driven by posthumanist and postnaturalism theory, Bélanger seeks to undermine the differentiation and hierarchization between all living and non-living things existing in this world. Her work is an ode to the wonders we will have to part with while our hearts are pounding to the echoes of our coming demise.

L'oeuvre d'Amélie Bélanger a pour sujet un futur hypothétique. Eternal Remains est un acte de non-existence. Pour l'artiste, les êtres qu'elle représente, qu'ils soient vivants ou non-vivants, organiques ou non, sont aussi uniques qu'elle. Elle cherche à remettre en question la différenciation et la hiérarchie entre le vivant et le non-vivant en s'appuyant sur les théories post-humaniste et post-naturaliste. Son travail est une ode aux merveilles auxquelles nous devrons renoncer lorsque nous assisterons, le coeur battant, au naufrage qui s'annonce. 

Louise Campion, Burn out: a self portrait., 2018. Oil on canvas, 3,9 x 3,9ft.

Louise Campion focuses on the exploration of awareness and emotional survival in a context of global violence. Through her paintings and drawings, she wishes to engage with the viewer in ways that are both empathetic and educative. These paintings are informed by her experience of having worked in an office as a summer job. She explores the occidental corporate world, representing the overall energy through colour combinations and relationships.

Louise Campion explore la conscience et la survie des émotions dans un contexte de violence généralisée. Par ses oeuvres, elle souhaite entamer un dialogue empathique et instructif avec l'observateur. Inspirées un stage d'été passé dans un bureau, les oeuvres de la série Dynamics ont permis à l'artiste de sonder un environnement de travail typique de l'entreprise occidentale et de représenter l'atmosphère qui y reigne à l'aide de combinaisons de couleur.

Camille Charbonneau, 1 Corinthians 6:19 , 2019. Back shot, inkjet print.

Camille Charbonneau questions preconceived ideas about bodies, drawing attention to shifting and obsolete conceptions of gender, health, and normativity. Charbonneau performs using their body as a vehicle to imprint, bend and subvert text, representing the power shift that happens when words have lost their influence in front of hard-earned self-acceptance.

Camille Charbonneau remet en question les idées reçues sur le corps en attirant l'attention de l'observateur vers les conceptions changeantes et parfois obsolètes du genre, de la santé et de la normativité. Dans le but d'interroger l'évolution des mentalités sur ces questions, l'artiste fait une performance dans laquelle elle se sert de son corps comme moyen pour imprimer et subvertir un texte. Ses gestes représentent le transfert de pouvoir qui s'opère quand les mots ont perdu leur influence face à une reconnaissance de soi obtenue de haute lutte.

Melina Vera J, Querencia (2019). Immersive installation.

Melina Vera J was raised in Medellin, Colombia. Her work focuses on depicting positive representations of Colombian people, culture and traditions. Querenciais an immersive installation inciting the four of the senses simultaneously to evoke wonderment, inspired by the fact that Columbia has the largest amount of bird species in the world. The Spanish word Querencia means “the place where one’s strength is drawn from; where one feels at home”.

Melina Vera J a grandi à Medellín, en Colombie. Son travail met l'accent sur les représentations positives de la population, de la culture et des traditions colombiennes. Le mot espagnol Querencia désigne "le lieu d'où l'on tire sa force, le lieu où l'on se sent chez soi". Inspirée par le fait que la Colombie possède le plus grand nombre d'espèces d'oiseaux au monde, Querencia est une installation immersive qui stimule les quatre sens simultanément, de manière à faire naître l'émerveillement.

Alexey Lazarev, Phantom Home (2018). Installation.

Alexey Lazarev investigates the relationships between migration, hybrid identity and social aspects of memory. While the world’s migration levels are constantly rising, its narratives are still hidden from the majority of population, with many people not acknowledging the struggles that a large number of newcomers face. Lazarev works with collage, relief printing and manual labour to raise issues related to migration, and to show the impact on personal identity and the perception of self and others. 

Alexey Lazarev s'intéresse aux relations entre la migration, les identités hybrides et les aspects sociaux de la mémoire. Alors que le phénomène migratoire prend de plus en plus d'ampleur à l'échelle mondiale, plusieurs personnes n'ont pas conscience de l,adversité qu'un grand nombre de nouveaux arrivants doivent affronter. C'est pourquoi l'artiste soulève des questions sur la migration et les effets qu'elle a sur l'identité personnelle ainsi que sur la perception de soi et des autres à l'aide du collage, de l'impression en relief et du travail manuel.

Eva Morrison, Pile, 2019. Oil on canvas, 30"x40".

Eva Morrison explores societal relationships with banal urban landscapes such as construction sites, highway overpasses and public spaces, which are given symbolic meaning as part of everyday routine commutes. Engaging with these sites through traditions of landscape painting, she frames them outside of their usual cultural context, subverting their familiarity, challenging the viewer to reconsider their perception of these sites.

Eva Morrison s'intéresse aux rapports entre la société et les paysages urbains qui entretiennent un lien avec les déplacements quotidiens, comme les chantiers, les ponts d’autoroute et les espaces publics. Elle emploie les traditions de la peinture du paysage pour représenter ces sites dans le but de les extraire de leur contexte culturel habituel et d'obliger l'observateur à remettre en question la manière dont il les perçoit.

Manon Pierquet, Cumulus Fractus, 2019. Installation, includes glazed stoneware pieces, each piece 1 ft x 3ft.

Manon Pierquet uses kitsch animal molds as the basis for free movement and characterization in wild animal forms. Her interest in the animal is in the deception of life and anatomy, but also the intersection of wild things: wild animals that we've never seen but whose image persist in our culture, who we cannot tame but desire nonetheless, who live on the outskirts of our growing civilization and suffer because of it.

Dans la pratique artistiwue de Manon Pierquet, les moulages kitsch d’animaux sont à la base d'une réflexion sur la liberté de mouvement et sur la caractérisation des animaux sauvages. L'artiste s’intéresse aux bêtes, car elles lui permettent de créer l’illusion de la vie et une anatomie factice. Elles offrent aussi la possibilité de rendre compte de la vie sauvage, dans un contexte où notre connaissance de ces êtres vivants, dont nous détruisons l’habitat et que nous désirons en vain apprivoiser, se limite aux représentations véhiculées par notre culture.

Sasha Pozzolo, Wombat, 2018. Presented within Shield Your Eyes, archival inkjet print, 36" x 36”.

Sasha Pozzolo deals with the indexicality of photography, and how we value images. Working between environmental portraiture and abstraction, Pozzolo constructs images in varied sizes, mediums, and print methods. Pieces are presented in ways that require the viewer to interact in physical manners - either through movement in the exhibition space, or through physical touch and interaction. This enables an intimacy with the work, further problematizing the value of objects and images.

Le travail de Sasha Pozzolo porte sur l’indicialité de la photographie et sur la manière dont nous donnons de la valeur aux images. Travaillant à la charnière de la représentation de l’environnement et de l’abstraction, l’artiste construit des images de différentes tailles à l’aide de diverses méthodes d’impression. Les œuvres sont présentées de façon à obliger le spectateur à dialoguer physiquement avec elles, soit en se déplaçant dans l’espace d’exposition, soit en les touchant. Cela permet de faire naître une intimité entre l’œuvre et le spectateur, et donc de pousser plus loin la réflexion sur la valeur des objets et des images.

Mylène Raiche, Géode, 2017. Sculpture made of scrap industrial felt, found raccoon fur, latex, rusted metal, reclaimed wood, 24” x 12” x 60”.

Mylene Raiche promotes intuition in her work, while considering the fluctuations between what is controlled and what is not. Assembled randomly and sewn by hand, Géode is made from scraps of industrial felt. The combination of raccoon fur, on the inside, and latex, on the outside, creates a texture that is reminiscent of organic shapes or landscape elements. The recurring themes in the artist's work are those of the human condition, healing processes through transformative reparation, as well as a concern for environmental problems and overconsumption.

Mylene Raiche favorise l’intuition dans son travail, tout en considérant les fluctuations entre ce qui est contrôlé et ce qui ne l’est pas. Assemblée de façon aléatoire et cousue à la main, Géodeest fabriqué à partir de retailles de feutre industriel. La combinaison de fourrure de raton laveur, à l’intérieur, et de latex, à l’extérieur, crée une texture qui rappelle des formes organiques ou des éléments du paysage. Les thèmes récurrents sont ceux de la condition humaine, des processus de guérison à travers la réparation transformatrice, ainsi qu’une préoccupation pour les problèmes environnementaux et de surconsommation.

Florence Tremblay, Lightwalk With Me (2019). Screenprint on wood blocks, 6 feet x 7 feet.

Florence Tremblay works mainly in woodcut, intaglio and screen printing, often using photography. Lightwalk with meis about facing one’s fears, a visual representation of the decisive moment that marks a transformation process. The photographic portrait reveals an uncanny creature, vulnerable in itself but also unsettling by its scale and expression. Inspired by the multiple identities inherent to the mythological figure of the chimera, the figure guards this portal and gently invites the viewer to cross boundaries into the unknown.

Dans son travail, Florence Tremblay utilise principalement la gravure sur bois, la gravure en creux, la sérigraphie et la photographie. Lightwalk with me, représentation visuelle du moment décisif qui marque un processus de transformation, porte sur l’idée d’affronter ses peurs. Le portrait photographique montre une étrange créature à la fois vulnérable et dérangeante. S’inspirant des multiples identités de la Chimère, la représentation garde le portail et invite le spectateur à plonger dans l’inconnu.

Nick Lavigne, Frontiers, 2018-2019, two channel audio; one channel visual.

Nick Lavigne reflects on this point in human history where the systems in which we have come to depend upon for sustaining our Western lifestyles threatens not only our survival as a species, but our humanity as well. Through decontextualization and abstraction of both sound and image, Lavigne aims to incite questions about our current relationships with these planetary issues. Frontiers abstracts and reorganizes shapes and images from 'Nature' in both the audio and visual components.

Nick Lavigne s’intéresse à un moment précis de l’histoire humaine, où les systèmes sur lesquels nous comptons pour maintenir nos modes de vie occidentaux menacent notre survie en tant qu’espèce. Frontiers réorganise les formes et les images de la «Nature» en créant une abstraction avec des composantes audio et visuelles. Par le biais de la décontextualisation et de l’abstraction du son et de l’image, Lavigne souhaite susciter des interrogations sur nos relations actuelles avec ces problèmes planétaires.

VAV Gallery — Galerie VAV

Shazia Ahmad, Trace , 2019. Inkjet and screen print on Thai Kozo paper, kinwashi, backcloth and canvas, 18" x 25" x 0.75".

Shazia Ahmad speaks to the centrality of reminiscence and the passage of time. She chronicles journeys while also paying tribute to the relationships that develop over time. Being of interfaith and mixed-race background, her practice is grounded in notions of home and belonging. Tracegrasps the memory of Ahmad’s birthplace, Karachi, each page commemorating a year since her departure. In this piece, the impossibility of securely retaining recollections is recognized in the form of a book.

Shazia Ahmad aborde les questions de la réminiscence et du passage du temps. Issue d’un milieu interconfessionnel et métissé, sa pratique artistique puise dans les notions du chez-soi et de l’appartenance. Trace est une œuvre qui illustre la transformation du souvenir que l’artiste a de Karachi, sa ville natale. Il y a, dans ce livre, une page pour chacune des années qui se sont écoulées depuis son départ. C’est une manière pour elle de représenter l’impossibilité de conserver ses souvenirs intacts.

Christeen Francos, The Rest and Void, 2019. Large-scale black and white woodcut prints.

Christeen Francis’ prints are best considered in the context of cities. Fragmented and under construction, the Rest and the Void series is created by rearranging and stacking artifacts collected from construction sites in Montreal. The images are then engraved and relief printed using sheets of compressed wood to reference building materials. The series reflects the evolving landscape of urban areas, the changing concept of what it means to live in cities, what cities should be, and for whom they are built.

Les gravures de Christeen Francis gagnent à être examinées dans le contexte des villes. Fragmentée et en construction, la série The Rest and the Void a été créée en réarrangeant et en empilant des objets provenant de divers chantiers de Montréal. Les images ont ensuite été gravées et imprimées en relief à l’aide de plaques de bois comprimé, en référence aux matériaux de construction. La série illustre la transformation du paysage urbain et les nouvelles réponses apportées aux questions : Que signifie vivre en ville? À quoi les villes devraient-elles ressembler? Pour qui sont-elles construites?

Saba Heravi, No.25: An Archive, 2019. Installation.

As time passes, the memories made to document intimate moments are altered. These transformations define our history and identities. Clay also has a memory, as it registers traces of within its molecules. Saba Heravi created objects using ceramic, photographic prints and items that the artist collected from her grand parents’ house. No.25: An Archive is a way to control the mortality of memories by making her own collection of archives where the pieces can be interpreted and understood as more than objects.

À mesure que le temps passe, les souvenirs s’estompent. Cette transformation définit notre histoire et notre identité. L’argile a aussi une mémoire qui enregistre les traces dans ses molécules. Saba Heravi a créé des objets avec de la céramique, des impressions photographiques et des éléments qu’elle a trouvés dans la maison de ses grands-parents. Pour l’artiste, No.25: An Archive est un moyen de lutter contre la disparition de ses souvenirs en se constituant ses propres collections d’archives.

christopher johnstone, HTABBAS, 2018. Video still.

christopher johnstone describes himself as a citizen, a thin man with a camera standing in the shadows, discretely observing and interpreting the world around. In HTABBASjohnstone’s process was to work with the subject matter, concerned with the societal intermingling of people against the landscape of the routine. In reversing the material, the artist discovered a social interaction that responds to his sensibilities and visual palette.

christopher johnstone se décrit comme un citoyen, un homme mince avec une caméra qui se tient dans l’ombre pour observer discrètement et interpréter le monde qui l’entoure. Dans HTABBAS, l’artiste a choisi d’enregistrer le contenu et la mixité sociale dans la banalité du quotidien. En faisant passer sa vidéo à l’envers, il a découvert une forme d’interaction sociale qui correspond à sa sensibilité et à sa palette visuelle.

Jane L Kasowicz, Whole Wide Web, 2019. Installation includes two channel video, image transfers on canvas, bricks, chains, two servo motors, hammer, paint cans, hand cast, beeswax.

A common theme in Jane L Kasowicz’s practice is societal change experienced on an intimate level. Her work attempts to make the viewer feel part of a moment, an exploration on how intimate and public spheres interact. She is influenced by internet culture and how it connects with a global community. Whole Wide Web is a mixed media installation that deals with themes of knowledge transmission, failure and craftsmanship.

Il y a un thème réccurent dans la pratique artistique de Jane L Kasowicz : la représentation du changement social vécu sur le plan intime. Dans son travail, l’artiste tente de donner au spectateur l’impression de participer à un moment d’exploration du point de rencontre entre la sphère privée et la sphère publique. Elle est influencée par la culture Internet et son rapport à une communauté mondialisée. Whole Wide Web est une installation faisant appel à des techniques mixtes qui aborde les questions de la transmission du savoir, de l’échec et de la dextérité manuelle.

Lindsey Lagemaat, Scheana's Fallout, 2019. Cotton sheet, synthetic raffia, soy wax, emergency heat blanket, deconstructed belt.

Lindsey Lagemaat’s work is informed by an isolated island upbringing and addresses issues of class through the use of satire. Working with sculptural forms, she employs found materials as cultural signifiers that point to the hypocrisy that results when excess is likened to luxury. Scheana's Fallout is part of a series that interrogates personalized object-related dependencies. It is a physical representation of what we value and how that is impacted by the resources one has access to.

Influencé par le fait qu’elle ait grandi dans une île isolée, le travail de Lindsey Lagemaat aborde la notion de classe sous l’angle de la satire. Travaillant avec les formes sculpturales, l’artiste utilise des matériaux trouvés comme des signifiants culturels qui mettent en relief l’hypocrisie créée par le fait d’assimiler l’excès au luxe. Scheana’s Fallout fait partie d’une série d’œuvres qui aborde la question des dépendances aux objets personnalisés. Elle donne à voir une représentation concrète de ce à quoi nous accordons de la valeur et de combien cette dernière est influencée par les ressources dont nous disposons.

Olivia McFarlane, A Love Note For My Bed, 2019. Installation.

Olivia McFarlane began creating A Love Note For My Bed as an act of love towards her bed. The paper in this book was made from an old bed sheet that was beat into pulp. The cover is quilted from the same bed sheet. Dealing with mental illness, the artist often feels confined to her bed, but she has learned to love it in all of its imperfections. The images are an assortment of drawings, paintings, and photos of her bed and bedroom space that were printed and transferred to the pages. 

 

Olivia McFarlane a commencé l’œuvre A Love Note For My Bedcomme un acte d’amour pour son lit. Aux prises avec la maladie mentale, l’artiste se sent souvent clouée au lit, un endroitqu’elle a fini par apprendre à aimer malgré toutes ses imperfections. Le papier de ce livre a été fabriqué à partir d’un vieux drap réduit en pâte. La couverture a été matelassée à l’aide de la même literie. Les images qu’elle nous montre sont un assortiment de dessins, de peintures et de photos de son lit et de sa chambre qu’elle a imprimés et décalqués sur les pages de son livre.

Elea Schmitter, Leidenschaften, 2019. Installation view includes works La Rose, Deafluo, Look what you made me do and Blue Glen Canyon.

Guided by an interest in systems of communion, Elea Schmitter researches the power of secrecy and the precarious nature of truth. Leidenschaftenis a study on the mutating significance of modern spirituality in Western culture. For this work, the artist registered to a secluded esoteric organization during two years to produce a wide range of reflections upon the significance of modern spirituality. The artist’s research suggests a common yearning for the transcendent, even if people express this need in different ways.

Guidée par son intérêt pour les systèmes de communion, Elea Schmitter s'intéresse à la puissance du secret et la précarité de la vérité. Leidenschaften est une étude de l’évolution du sens que prend la spiritualité moderne dans la culture occidentale. Pour réaliser cette œuvre, l’artiste a vécu pendant deux ans parmi un groupe ésotérique isolé, ce qui lui a permis d’élaborer un large éventail de réflexions sur le sens de la spiritualité moderne. Sa recherche donne à penser qu’il existe une aspiration commune à la transcendance, même si les gens expriment ce sentiment de manières différentes.

Jessica Slip, Factory Rock (2018). Still from Becoming Rock.

Jessica Slipp explores the complex relationship between the body and the earth. Becoming Rock is a series of performative videos that explore the repeated action of becoming a rock within the landscape. Aware of the physical impossibility of this merger, the artist sees each repeated attempt as an absurd, yet genuine gesture to become one with the land. She attempts to rekindle a fundamental relationship between body and the earth.

Jessica Slipp s'intéresse à la relation complexe qui existe entre le corps et la terre. Becoming Rock est une série de vidéos performatives qui examinent ses actions répétées visant à devenir une pierre dans le paysage. Consciente de l’impossibilité physique d’une telle fusion, l’artiste conçoit chacune de ses tentatives de former un tout avec la terre comme un geste absurde, mais authentique. Elle tente de recréer le lien fondamental qui unit le corps à la terre.

Rachel Ann Timtiman, Puzzle Chair, 2018. 24 x 14 x 15.

Rachel Ann Timtiman studies design and explores mechanism, puzzle and sustainability. The chair is made out of plywood, cherry wood, dowels, and wood glue, functioning both as a puzzle and as furniture. It is created for people to have fun by playing with the chair before sitting down. The chair can be folded and can fit into small spaces.

Rachel Ann Timtiman étudie le design. Elle s’intéresse aux notions de mécanisme, de casse-tête et de durabilité. Fabriqué à l’aide de contreplaqué, de bois de cerisier, de goujons et de colle à bois, le fauteuil de Timtiman est à la fois un casse-tête et un meuble. Conçu de façon à offrir l’opportunité ludique d’y modifier la forme avant de s’y asseoir, ce fauteuil peut être plié et placé dans des espaces de petites dimensions.


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