Exhibition
The Material Turn

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Sophia Borowska is a Montreal-based artist and researcher working in fibres, sculpture, and installation. Her work questions the potential for control in architectural and virtual spaces through textiles and the manipulation of threads. Through developing a theory of weaving as subversion, her practice demonstrates that weaving is well-suited to the interpretation of the uneasy products of the digital age due to its own uneasy place within the art historical canon, and its particularly tactile, haptic nature. Borowska holds a Bachelor of Fine Arts, with Great Distinction, from Concordia University in Montreal, and a diploma in Textiles from Capilano University in North Vancouver, Canada. She is an affiliate researcher in the Textiles and Materiality Research Cluster under the Milieux Institute at Concordia. Borowska has exhibited work in Canadian artist-run centres, galleries, and festivals, and has presented research and been published in both Canada and the United States.

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Artiste et chercheuse installée à Montréal, Sophia Borowska se spécialise dans les fibres, la sculpture et l’installation. Dans son travail, elle s’interroge sur le contrôle qui peut s’exercer au sein d’espaces tant architecturaux que virtuels, et ce, au moyen des textiles et de la manipulation de fils. Par l’élaboration d’une théorie du tissage en tant qu’élément subversif, elle prouve que la pratique de cet art se prête particulièrement bien à l’interprétation des produits précaires de l’ère du numérique. En effet, elle montre la situation fragile du tissage parmi les canons de l’histoire de l’art, de même que sa nature particulièrement tactile et haptique. Titulaire d’un baccalauréat ès beaux-arts (avec grande distinction) de l’Université Concordia de Montréal, Sophia Borowska possède en outre un diplôme en arts textiles de l’Université Capilano de North Vancouver, au Canada. Aujourd’hui chercheuse affiliée au pôle de recherche sur les textiles et la matérialité de l’institut artistique, culturel et technologique Milieux de Concordia, elle a pris part à diverses expositions organisées au Canada par des centres d’art autogérés, des galeries et des festivals. Enfin, elle a présenté et publié ses travaux de recherche au Canada et aux États-Unis. 

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Lia Cook explores the sensuality of the woven image and the emotional connection to memories of touch and cloth.  At the crossroads of art, craft and cutting-edge technology, her work integrates the touch of both the hand and the digital by combining weaving with painting, photography, and video. Her most recent research centres around the nature of emotional responses to woven faces using the tools from the neuroscience laboratory and data visualization.

Professor of Art Emeritus at the California College of the Arts, Cook exhibits her work nationally and internationally. Her works are in the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York; Metropolitan Museum of Art; Minneapolis Institute of Art; Art Institute of Chicago; Cleveland Museum of Art; Smithsonian Museum, Washington, D.C.; The National Collection, France; Toms Pauli Foundation, Lausanne Switzerland; Museum Bellerive, Zurich, Fine Arts Museums of San Francisco; National Gallery of Australia; Zhejiang Art Museum and the National Silk Museum, China.

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Lia Cook explore la sensualité de l’image tissée de même que le lien émotionnel qui unit étoffe et mémoire sensorielle. Se situant au carrefour de l’art, de l’artisanat et de la technologie de pointe, ses œuvres combinent fait-main et touches numériques. De fait, elles associent au tissage la peinture, la photographie ainsi que la vidéo. Les plus récents travaux de Cook portent sur la nature des réactions émotives que suscitent des visages tissés. Pour les réaliser, l’artiste-chercheuse s’est servie d’outils issus d’un laboratoire de neuroscience et de dispositifs de visualisation des données.

Professeure émérite en beaux-arts au California College of the Arts, Lia Cook a exposé aux quatre coins des États-Unis et du monde. Ses œuvres figurent dans la collection permanente d’établissements prestigieux : le Museum of Modern Art (MOMA) et le Metropolitan Museum of Art (MET), à New York; le Minneapolis Institute of Art; l’Institute d’art de Chicago; le Cleveland Museum of Art (CMA); le Smithsonian, à Washington, D.C.; la collection nationale d’art de France; la Fondation Toms Pauli, à Lausanne, en Suisse; le Musée Bellerive, à Zurich; le Musée des beaux-arts de San Francisco; la Galerie Nationale d’Australie; de même que le Musée des beaux-arts du Zhejiang et le Musée national de la soie, en Chine. 

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Emily Hermant is based in Vancouver, Canada, where she is an Assistant Professor in the Audain Faculty of Art at Emily Carr University of Art + Design. She is an interdisciplinary artist whose large-scale sculptures, material drawings, and installations explore themes of communication, gender, labor, and the spatial experiences of the body. She received her Bachelor of Fine Arts with a major in Studio Arts from Concordia University in Montreal and her Master of Fine Arts as a Trustee Merit Scholar in Fiber and Material Studies from the School of the Art Institute of Chicago. Her work has been exhibited widely in museums, galleries, and festivals nationally and internationally. She has also been featured in ArtSlant, Espace Sculpture, The Washington Post, and TimeOut Chicago, among others. Hermant has been awarded grants from the Canada Council for the Arts and the Conseil des Arts et Lettres du Québec, and held residencies at ACRE, Ox-Bow, The Ragdale Foundation, Nordic Artists’ Centre in Norway, and the Vermont Studio Center. 

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Emily Hermant vit à Vancouver, au Canada. Professeure adjointe à la Faculté des beaux-arts Audain de l’Université d’art et de design Emily-Carr, l’artiste interdisciplinaire conçoit des sculptures à grande échelle, des dessins sur tissu et des installations. Elle aborde des thèmes divers, allant de la communication au genre et au travail, en passant par l’expérience du corps dans l’espace. Titulaire d’un baccalauréat ès beaux-arts – avec majeure en arts plastiques – de l’Université Concordia à Montréal, elle détient également une maîtrise ès beaux-arts en étude des fibres et des tissus de l’école de l’institut de l’art de Chicago, qu’elle a fréquentée en qualité de boursière du conseil d’administration. Montrées dans bon nombre de musées, de lieux d’exposition et de festivals nationaux et internationaux, ses œuvres ont par ailleurs été vantées par des publications réputées, comme les revues ArtSlant et Espace Sculpture, le journal The Washington Post ou le magazine TimeOut Chicago. Subventionnée dans le passé par le Conseil des arts du Canada et le Conseil des arts et des lettres du Québec, Hermant a pris part à des résidences artistiques organisées par l’organisme Artists’ Cooperative Residency and Exhibitions (ACRE), l’Ox-Bow School of Art, la Ragdale Foundation, le Centre d’art nordique de Norvège ainsi que le Vermont Studio Center. 

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Utilizing a digitally operated Jacquard hand loom, the contemporary version of the first binary operated machine and argued precursor to the invention of the computer, Robin Kang hand weaves tapestries that combine computer-related imagery, digital mark-making, and fictional ancient symbolism. She has exhibited throughout the United States, Canada, Spain, Belgium, France, Austria, Indonesia, and Saudi Arabia. Kang is the founder and director of Penelope, an artist-run project space in Ridgewood, Queens, and also an Adjunct Professor in the Fiber and Material Studies Department at Tyler School of Art, teaching courses in digital weaving and fabric dyeing.

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Doté de commandes numériques, le métier jacquard manuel dont se sert Robin Kang se veut une version moderne de la première machine à fonctionnement binaire, prétendu précurseur à l’invention de l’ordinateur. La créatrice tisse à la main des tapisseries où se côtoient imagerie informatique, marquage numérisé et pseudo-symbolisme ancien. Ses œuvres ont été exposées ici et là aux États-Unis, au Canada, en Espagne, en Belgique, en France, en Autriche, en Indonésie et en Arabie saoudite. Kang est la fondatrice et la directrice de Penelope, un espace autogéré où prennent vie des projets artistiques et qui a pignon sur rue dans le quartier Ridgewood de l’arrondissement new-yorkais de Queens. Professeure auxiliaire au Département des études des fibres et des tissus de la Tyler School of Art, elle donne des cours de tissage numérique et de teinture de tissu. 

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Born in Switzerland, Ryth Kesselring moved to Quebec during her childhood. She will obtain her Bachelor of Fine Arts from Concordia University with a specialisation in Fibres and Material Practices. She is part of studio subTela, where she works as research assistant on electronics and embroideries for smart textiles. Her research focuses on how textiles perform as living archives. She explores the schematics of remembrance by using sonic elements and rhythms of craftsmanship as imprints of the textile memories. 

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Née en Suisse, Ryth Kesselring a émigré au Québec durant son enfance. Préparant un baccalauréat ès beaux-arts à l’Université Concordia, elle se spécialise en fibres et pratiques matérielles. Adjointe de recherche au studio subTela, elle s’intéresse à l’utilisation de l’électronique et de la broderie aux fins des textiles intelligents. Elle axe sa recherche sur les modes de fonctionnement des textiles en tant qu’archives vivantes et explore les schémas du souvenir. Pour ce faire, elle recourt aux rythmes et aux éléments acoustiques de l’art en guise d’impressions sur des textiles à mémoire de forme. 

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Barbara Layne is Professor Emeritus and currently an Affiliate Professor in the Dept. of Studio Arts at Concordia University and a member of the Milieux Institute for Art, Culture and Technology where she directs the innovative textile team, Studio subTela. She lectures and exhibits internationally, most recently at Coded Threads: Textiles and Technology in Washington, Techne at the Craft Council of Newfoundland, the Subtle Technologies Festival in Toronto. Her work is supported by the Canadian Foundation for Innovation, the Social Science and Humanities Research Council of Canada and the Milieux Institute for Art, Culture and Technology.

Janis Jefferies is an artist, writer and curator, Research Fellow at the Constance Howard Resource and Research Centre in Textiles, and Academic Lead for Early Career Researchers at Goldsmiths University of London. She has edited numerous books and chapter contributions on textiles, technology, performance and practice research and was one of the founding editors of Textile; The Journal of Cloth and Culture. She is co-editor of the Handbook of Textile Culture (2016); From Tapestry to Fiber Art. The Lausanne Biennials 1962-1995, Fondation Toms Pauli Lausanne and Skira Editions Milan (2017); TECHSTYLE Series 2.0: Ariadne’s Thread, Hong Kong: MILL6 Foundation; Philosophy of Weaving (as a practice / techne and/or as political metaphor), Athens: Nissos Publications (2017).  

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Professeure émérite, Barbara Layne occupe actuellement le poste de professeure affiliée au Département d’arts plastiques de l’Université Concordia. Membre de l’institut artistique, culturel et technologique Milieux de l’établissement, elle y dirige une équipe de novateurs dans le domaine du textile, qui sont regroupés au sein du studio subTela. En outre, elle expose et donne des conférences un peu partout dans le monde. Ainsi, elle a récemment participé aux événements suivants : Coded Threads: Textiles and Technology (« fils codés : textile et technologie »), à Washington; Techne (« tekhnè »), au Craft Council of Newfoundland; et Subtle Technologies Festival, à Toronto. Les travaux de Layne ont été subventionnés par la Fondation canadienne pour l’innovation, le Conseil de recherches en sciences humaines du Canada de même que l’institut artistique, culturel et technologique Milieux.

Artiste, écrivaine et commissaire, Janis Jefferies est également chercheuse-boursière au Constance Howard Resource and Research Centre in Textiles du collège Goldsmiths de l’Université de Londres. Au même établissement, elle dirige le mentorat des chercheurs débutants. Elle a fait paraître de nombreux ouvrages et chapitres de livre traitant de textiles, de technologie, de performance et de recherche pratique. En plus d’avoir fondé et dirigé en collaboration la revue Textile: The Journal of Cloth and Culture (« textiles : tissus et cultures »), elle a participé à plusieurs ouvrages : Handbook of Textile Culture (« manuel de culture textile »), paru en 2016; From Tapestry to Fiber Art: The Lausanne Biennials 1962-1995 (« de la tapisserie à l’art de la fibre : les Biennales de Lausanne, de 1962 à 1995 »), publié en 2017 par la Fondation Toms Pauli de Lausanne et les éditions Skira de Milan; TECHSTYLE Series 2.0: Ariadne’s Thread (« série Techstyle 2.0 : le fil d’Ariane »), édité à Hong Kong pour le compte de la MILL6 Foundation; et Philosophy of Weaving (as a practice/techne and/or as political metaphor) (« philosophie du tissage en tant que pratique ou tekhnè ou encore métaphore politique »), paru en 2017 chez Nissos, à Athènes. 

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LoVid is the New York-based artist duo, Tali Hinkis and Kyle Lapidus. LoVid's work includes immersive installations, sculptural synthesizers, single channel videos, textile, participatory projects, mobile media cinema, works on paper, and A/V performance.

Collaborating since 2001, LoVid’s projects have been shown at Issue Project Room, New York; Hors Pistes Tokyo, Japan; Real Art Ways, Connecticut; Moving Image Art Fair, New York; Daejeon Museum, Korea; Everson Museum, New York; Smack Mellon, New York; Mixed Greens Gallery, New York; CAM Raleigh North Carolina, Netherland Media Art Institute, Netherlands, the Science Gallery, Ireland; Urbis, United Kingdom, the Jewish Museum, New York; the Neuberger Museum, New York; the New Museum, New York, and Institute of Contemporary Arts, London; among many others. LoVid has performed and presented works at: Museum of Moving Image, New York; Lampo, Chicago; International Film Festival Rotterdam, Netherlands; Museum of Modern Art, New York; PS1, New York; The Kitchen, New York; Centre for Contemporary Art, Israel; and FACT, Liverpool. 

Additionally, LoVid’s projects have received support from organizations including: The Robert Rauschenberg Foundation, Signal Culture, Cue Art Foundation, Eyebeam, Harvestworks, Wave Farm, Rhizome, Franklin Furnace, Turbulence.org, New York Foundation for the Arts, Lower Manhattan Cultural Center, Experimental TV Center, New York State Council of the Arts, and Greenwall Foundation. LoVid’s video works are distributed through Electronic Arts Intermix (EAI).

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Le duo new-yorkais LoVid se compose de Tali Hinkis et de Kyle Lapidus. La dyade conçoit notamment des installations immersives, des sculptures par synthétiseur, des vidéos monovoies, des créations textiles, des projets participatifs, des productions cinématographiques à l’aide de médias mobiles, des œuvres sur papier ainsi que des performances audiovisuelles.

Les deux artistes œuvrent de concert depuis 2001. Bon nombre de leurs réalisations ont été montrées dans le cadre de manifestations culturelles courues ou sur les murs de lieux d’exposition réputés, entre autres : l’Issue Project Room, à New York; Hors-Pistes, à Tokyo, au Japon; Real Art Ways, au Connecticut; la Moving Image Art Fair, à New York; le Musée Daejeon, en Corée du Sud; le Musée Everson, à New York; Smack Mellon, à New York; la galerie Mixed Greens, à New York; CAM, à Raleigh, en Caroline du Nord; l’Institut néerlandais des arts médiatiques, aux Pays-Bas; la galerie Science, en Irlande; Urbis, au Royaume-Uni; le musée juif de  New York; le musée Neuberger, à New York; le New Museum, à New York; et l’Institut de l’art contemporaine à Londres. En outre, LoVid a présenté des spectacles et des expositions à plusieurs endroits : le Museum of Moving Image, à New York; Lampo, à Chicago; le Festival international du film de Rotterdam, aux Pays-Bas; le Museum of Modern Art (MOMA), à New York; PS1, à New York; The Kitchen, à New York; le Centre d’art contemporain, en Israël; et FACT, à Liverpool. 

Par ailleurs, divers organismes appuient financièrement les projets de LoVid. Parmi eux figurent la Robert Rauschenberg Foundation, Signal Culture, la foundation Cue Art, Eyebeam, Harvestworks, Wave Farm, Rhizome, Franklin Furnace, Turbulence.org, la New York Foundation for the Arts, le centre culturel de Lower Manhattan, l’Experimental Television Center, le New York State Council of the Arts et la foundation Greenwall. Rappelons que les œuvres vidéo de LoVid sont distribuées par l’intermédiaire de l’organisme Electronic Arts Intermix (EAI). 

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Louise Lemieux Bérubé obtained her Bachelor of Fine Arts from l’Université du Québec à Montréal. She also studied Jacquard design at the Rhode Island School of Design. She is a cofounder of the Montreal Centre for Contemporary Textiles, where she teaches students from all around the world.

Lemieux Bérubé has travelled around the world lecturing or exhibiting her work. Her innovative Jacquard weaving is represented in major public collections such as the Canadian Embassy in London, United Kingdom; Deutsches Technikmuseum in Berlin, Germany; Place des Arts and Montreal Museum of Fine Arts in Montreal, Canada.

She is also the author of Le tissage créateur (1998), and co-authored, with Carole Greene, her personal biography entitled Unwinding the Threads (2012). Lemieux Bérubé holds a number of distinctions: in 2012 she received a medal from the Chevalière de l’Ordre national du Québec; in 2015, she received a prize from the Ordre des arts et des lettres du Québec; and in 2016, she was named Bâtisseuse de la Cité, in recognition of her contribution to civic life within the city. 

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Louise Lemieux Bérubé possède un baccalauréat ès beaux-arts de l’Université du Québec à Montréal. Elle a par ailleurs étudié le tissage jacquard à la Rhode Island School of Design. Cofondatrice du Centre des textiles contemporains de Montréal, elle y forme des élèves venus de tous les horizons.

Lemieux Bérubé parcourt le monde pour donner des conférences et présenter ses œuvres. Des plus novatrices, ses créations en tissage jacquard s’insèrent dans de grandes collections publiques, par exemple celles de l’ambassade du Canada à Londres, au Royaume-Uni; du Musée allemand des techniques, à Berlin, en Allemagne; et de la Place des Arts et du Musée des beaux-arts de Montréal, au Canada.

Auteure du livre Le tissage créateur, paru en 1998, elle a coécrit – avec Carole Greene – sa biographie, sortie en 2012 et intitulée En déroulant la trame. Récipiendaire de plusieurs récompenses honorifiques, elle a notamment été faite, en 2012, chevalière de l’Ordre national du Québec et, en 2015, compagne de l’Ordre des arts et des lettres du Québec. De même, en 2016, la Ville de Montréal l’a proclamée « bâtisseuse de la cité », soulignant sa contribution inestimable à la vie citoyenne montréalaise. 

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Heather MacKenzie is an artist and educator with a practice founded in hand weaving. She has acted as the Fountainhead Fellow at VCU, Fulbright Scholar in Paris, France, and artist-in-residence at MASS MoCA, Cité Internationale des Arts Paris, Ox-Bow, and the Artists’ Cooperative Residency and Exhibitions (ACRE) project space. Her work has been exhibited recently at venues including Alternative Art Space in Boston, Massachusetts; Sediment Gallery in Richmond, Virginia; Heaven Gallery and Rhona Hoffman Gallery in Chicago; and PointDom in Toulouse, France. She received her Bachelor of Arts from Brown University and her Master of Fine Arts in Fiber and Material Studies from the School of the Art Institute of Chicago, where she is currently a lecturer.

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Artiste et formatrice, Heather MacKenzie fonde sa pratique sur le tissage fait main. Lauréate d’une Fountainhead Fellowship de la Université Virginia Commonwealth et boursière Fulbright à Paris, en France, elle a par ailleurs effectué plusieurs résidences artistiques : au Massachusetts Museum of Contemporary Art (MASS MoCA); à la Cité internationale des arts de Paris; à l’école de l’art Ox-Bow; et à l’espace de création Artists’ Cooperative Residency and Exhibitions (ACRE). Maintes fois exposées, ses œuvres ont récemment été présentées à l’Alternative Art Space de Boston, au Massachusetts; à la galerie Sediment de Richmond, en Virginie; aux galerie Heaven et galerie Rhona Hoffman de Chicago; et à l’association PointDom de Toulouse, en France. Bachelière ès beaux-arts de l’Université Brown, elle détient aussi une maîtrise ès beaux-arts en étude des fibres et des tissus de la School of the Art Institute de Chicago – établissement où elle occupe actuellement la fonction de chargée d’enseignement. 

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Petrina Ng is a visual artist and cultural worker based in Toronto. Her multi-form feminist practice connects intimacy, discomfort, and absurdity. Previous projects include The Sustenance Rite at the Blackwood Gallery, Mississauga; Out of Repetition, Difference at Zalucky Contemporary, Toronto; Death and Dying at Danielle Arnaud Gallery, London; and Bureau of Memories: Archives and Ephemera at the American Anthropological Association and Society for Visual Anthropology, Washington. Along with designer Rachel Wallace, under the name Durable Good, Ng also publishes books about art. Ng received a Bachelor of Arts from the University of Toronto and a Master of Fine Arts from the Slade School of Fine Art in London.  

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Visualiste et travailleuse culturelle, Petrina Ng vit à Toronto. Dans sa pratique féministe polymorphe, elle associe les notions d’intimité, de malaise et d’absurdité. Elle a réalisé plusieurs projets, dont The Sustenance Rite (« le rituel de subsistance ») chez la galerie Blackwood à Missaussauga; Out of Repetition, Difference (« hors répétition, différence ») chez Zalucky Contemporary, à Toronto; Death and Dying (« la mort et le mourir ») à la galerie Danielle Arnaud à Londres; et Bureau of Memories: Archives and Ephemera (« bureau des souvenirs : archives et choses éphémères ») à l’American Anthropological Association and Society for Visual Anthropology, à Washington. En collaboration avec la conceptrice Rachel Wallace, Ng publie des ouvrages d’art, et ce, sous la marque d’éditeur Durable Good. Bachelière ès beaux-arts de l’Université de Toronto, elle détient également une maîtrise ès beaux-arts de la Slade School of Fine Art à Londres. 

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Ellen Rothenberg is critically engaged with exploring different approaches to looking at materiality and concept within her practice. Her performances, installations and collaborations all have markedly generative quality, as she often probes formal boundaries for what they can produce and designs responsive structures that encourage participation. In this way, aesthetic, political and social forces all play a part in the production of Rothenberg’s ongoing work as well as the essential tenets of inclusivity, collaboration and receptivity.

Rothenberg’s work has been presented at the Museum of Contemporary Art, Chicago; the Museum of Fine Arts, Boston; the Institute of Contemporary Art, Boston; the Neues Museum Weserburg, Bremen; and the Royal Festival Hall, London. She has received awards including National Endowment for the Arts Fellowships; the Bunting Institute Fellowship; Illinois Arts Council Fellowships; the Massachusetts Artist Foundation Fellowships; and grants from CEC Artslink, the Engelhard Foundation, and the Learning Enrichment Foundation. Rothenberg lives and works in Chicago and Berlin, and teaches at the School of the Art Institute of Chicago.

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Axée sur la politique du quotidien et la création de communautés, l’œuvre d’Ellen Rothenberg s’appuie sur des pratiques collaboratives: graphisme, publication, sculpture d’objets, performance, installation, création d’images mobiles et organisation d’événements publics.

Dans le cadre de sa pratique artistique, Rothenberg examine d’un œil critique différentes approches matérielles et conceptuelles. Ses performances, ses installations et ses projets collectifs se distinguent nettement par leur aspect reproductif. En effet, la créatrice explore fréquemment les limites formelles de ce que peuvent produire ses réalisations. Dans cette optique, elle conçoit des structures réactives qui favorisent la participation. À l’instar de ces principes essentiels que sont l’inclusion, la collaboration et la réceptivité, les mouvances esthétique, politique et sociale influencent toutes la production des œuvres évolutives de l’artiste.

Ellen Rothenberg a exposé au Musée d’art contemporain de Chicago; au Musée des beaux-arts de Boston; à l’Institut de l’art contemprain de Boston; au Musée d’art moderne Weserburg de Brême; ainsi qu’au Royal Festival Hall de Londres. Lauréate de plusieurs bourses, dont celles de la National Endowment for the Arts, d’Institut Bunting, de l’Illinois Arts Council et de la Massachusetts Artist Foundation, elle a également touché des subventions de l’organisme CEC Artslink, de la fondation Engelhard et de la fondation Learning Enrichment. Professeure auxiliaire à la School of the Art Institute de Chicago, Rothenberg vit et travaille à Chicago et à Berlin. 

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Laura Splan’s work explores the intersections of art, science, technology and craft. Her research-based projects examine the material manifestations of our mutable relationship with the human body. She reconsiders perceptions and representations of the corporeal through a range of traditional and new media techniques. Her combinations of the quotidian with the unfamiliar interrogate culturally constructed notions of order and disorder, function and dysfunction. Her frequent use of technology with textiles challenges values of "the hand" in creative production and questions notions of agency and chance in aesthetics. Much of her work is inspired by experimentation with materials and processes that she excavates for their narrative implications and untapped potential. Her recent work uses biosensors to create data-driven forms and patterns for digitally fabricated sculptures and works on paper. Her work is included in the collections of the Thoma Art Foundation, Institute for Figuring, and the University of California San Francisco’s Infectious Disease Department.

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Dans son travail créatif, Laura Splan s’intéresse aux entrecroisements de l’art, de la science, de la technologie et de l’artisanat. À cette fin, elle entreprend des projets qui, fondés sur la recherche, ciblent les manifestations matérielles de notre relation évolutive avec le corps humain. À l’aide d’une gamme de techniques médiatiques éprouvées ou émergentes, elle repense nos perceptions et nos représentations du physique. Amalgamant le quotidien et l’inconnu, elle s’interroge sur les notions culturelles d’ordre et de désordre, de fonction et de dysfonction. Exploitant surtout les technologies textiles, elle remet en cause les valeurs associées au travail « manuel » dans toute production artistique de même que les concepts d’agentivité et de hasard en matière d’esthétique. Pour l’essentiel, son œuvre s’inspire d’expérimentations avec des tissus et des procédés dont elle accentue le contenu narratif et le potentiel inexploité. Ainsi, Splan s’est récemment servie de biocapteurs pour composer des formes et des motifs. Guidés par des données, ils ont participé à la conception numérique de sculptures et d’œuvres sur papier. Enfin, soulignons que les collections de la fondation Thoma Art, de l’Institute for Figuring à Los Angeles, et du Département d’infectiologie de l’Université de California à San Francisco incluent des créations signées Laura Splan. 

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Shelley Socolofsky is an artist living and working in Portland, Oregon.  Her practice is informed by long histories of textile production with its orientations to pattern and decoration. Her work explores the material and conceptual nuances of 'cloth' through a hybrid practice incorporating digital technology and analogue processes.  Socolofsky received a Master of Fine Arts from the University of Oregon and Fondazione Arte Della Seta Lisio in Florence, Italy, and held apprenticeships in weaving from Les Manufactures des Gobelins in Paris and Uzes, France. She is also the recipient of numerous fellowships from the Ruth and Harold Chenven Foundation of New York, as well as the Oregon Arts Commission. Exhibiting widely at venues such as Bellevue Arts Museum in Seattle, Washington; Deerfield Academy's Von Auersperg Gallery in Massachusetts; the deYoung Museum in San Francisco, California; and the Urban Institute of Contemporary Art in Grand Rapids, Michigan. Her work has been featured in such publications as Artist of Taiwan, FiberArts, and Interior Design.

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Shelley Socolofsky exerce son art à Portland, en Oregon. Sa démarche se fonde sur des traditions ancestrales liées à la production textile. Au fil des motifs et des ornements, son œuvre explore les nuances matérielles et conceptuelles du « tissu ». Sa pratique hybride mobilise aussi bien les technologies numériques que les processus analogiques. Titulaire d’une maîtrise ès beaux-arts de l’Université d’Oregon et de la Fondazione Arte Della Seta Lisio, à Florence, en Italie, Socolofsky s’est perfectionnée en tissage aux manufactures des Gobelins, à Paris et à Uzès, en France. Plusieurs fois boursière de la fondation Ruth and Harold Chenven de New York, elle a également reçu l’appui financier de l’Oregon Arts Commission. Ses œuvres sont souvent exposées, notamment au musée Bellevue Arts, à Seattle, dans l’État de Washington; à la galerie Von Auersperg de l’academie Deerfield, au Massachusetts; au de Young Museum, à San Francisco, en Californie; et au Urban Institute of Contemporary Art, à Grand Rapids, au Michigan. En outre, elles ont fait les pages de magazines comme FiberArts et Interior Design, ainsi que de la revue taiwanaise Artist. 

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WhiteFeather Hunter is a multiple award-winning Canadian artist/researcher, as well as educator, arts administrator, consultant, curator and writer based in Montreal. She holds an MFA in Fibres and Material Practices from Concordia University and presents her work internationally, recently in Iceland, Germany and the US, with forthcoming presentations in Finland and the US. WhiteFeather positions her BioArt practice within the context of craft and feminist witchcraft, via material investigations of the aesthetic and technological potential of bodily and vital materials. She hacks/builds electronics, uses web-based platforms to generate new mythologies, works in narrative video, and performance as embodied research. WhiteFeather is Principal Investigator and Technician for the Speculative Life BioLab within the Milieux Institute for Arts, Culture and Technology at Concordia University and artist-in-residence at Sporobole centre en art actuel in collaboration with Dr. Denis Groleau, Tier 1 Canada Research Chair in Microorganisms and Industrial Processes at Université de Sherbrooke. 

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Lauréate de nombreux prix, la Canadienne WhiteFeather Hunter exerce à Montréal une carrière plurielle. Elle est ainsi artiste, chercheuse, formatrice, administratrice d’activités artistiques, consultante, commissaire et écrivaine. Titulaire d’une maîtrise ès beaux-arts en fibres et pratiques matérielles de l’Université Concordia, elle a exposé aux quatre coins du monde. À preuve, ses œuvres ont récemment été présentées en Islande, en Allemagne et aux États-Unis; à l’horizon se profilent d’autres événements, notamment en Finlande et en Amérique. Hunter situe sa pratique bioartistique dans les contextes de l’artisanat et de la sorcellerie féministe. Elle exécute à cette fin des analyses physiques du potentiel technologique et esthétique de matières essentielles ou corporelles. Par ailleurs, elle : pirate et fabrique des dispositifs électroniques; se sert de plateformes Web pour évoquer des mythologies inédites; s’adonne à la vidéo narrative; et s’investit dans la recherche incarnée. Chercheuse principale et technicienne au Biolab sur la vie spéculative de l’institut artistique, culturel et technologique Milieux de Concordia, elle participe par ailleurs à une résidence artistique au Centre d’art actuel Sporobole. Elle y collabore avec Denis Groleau, Ph. D. et responsable de la Chaire de recherche du Canada sur les microorganismes et les procédés industriels à l’Université de Sherbrooke. 

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Kelly Thompson is an artist, educator and weaver, interested in the circulation of ideas, people and goods in the world, historically and in the global present.  A nomadic childhood and adult life informs her research as an artist, in which themes of location, identity, environment, surface and structure are explored through intersections of digital and material engagement. Active as a researcher at Milieux Institute in the Textiles and Materiality Research Cluster, she is an Associate Professor in the Fibres and Material Practices programs and Graduate Program Director for the MFA Studio Arts, Concordia University.

She is the Principal Investigator for the Material Codes: Ephemeral Traces research project which questions digital data realms and its fallibility, aiming to draw attention to failure, and to make the ephemeral visible in jacquard woven textiles. She is co-author of a recent article in Textile: Journal of Cloth and Culture which addresses this project. Her artwork is in various collections and has been exhibited work internationally in exhibitions, festivals and biennials.

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Artiste, tisserande et educatrice, Kelly Thompson s’intéresse à la circulation des idées, des personnes et des biens sur la planète, et ce, tant dans le passé historique que dans le présent mondialisé. Sa recherche artistique se nourrit d’un certain nomadisme, qui a empreint son enfance et sa vie adulte. De fait, elle s’articule autour des notions de lieu, d’identité, d’environnement, de surface et de structure. Dans cette optique, Thompson parcourt les points de jonction du matériel et du numérique. Associée à titre de chercheuse au pôle de recherche sur les textiles et la matérialité de l’institut artistique, culturel et technologique Milieux, elle cumule par ailleurs, à l’Université Concordia, les postes de professeure agrégée de fibres et pratiques matérielles ainsi que de directrice du programme d’études supérieures en arts plastiques.

En outre, Kelly Thompson participe, comme chercheuse principale, au projet Codes matériels : fils éphémères. Dans ce cadre, elle remet en cause les sphères de données numériques ainsi que leur faillibilité. Elle entend, d’une part, attirer l’attention sur ces possibilités d’échec et, d’autre part, rendre l’éphémère visible au moyen de tissages jacquard. À ce sujet, elle a récemment co-rédigé un article pour la revue Textile: Journal of Cloth and Culture (« textiles : tissus et cultures »). Présentées à l’occasion d’expositions, de festivals et de biennales ici et là dans le monde, ses œuvres enrichissent plusieurs collections.