Faculty of Fine Arts
Graduating Students Exhibition

EN

Drawing from an interest in natural sciences and metaphysics, Mel Arsenault (BFA) often experiments with different materials and substances. Her ceramic sculptures Mr. Klein’s Natural History Lab (2017) and Make Your Own Unicorn Workshop (2018) are laboratories or playgrounds composed of varying clay forms, surfaces, and textures, sites of endless visual and conceptual discoveries.

FR

S’inspirant de son intérêt pour les sciences naturelles et la métaphysique, Mel Arsenault (B. Bx‑arts) expérimente souvent différents matériaux et substances. Ses sculptures en céramique, intitulées Mr. Klein’s Natural History Lab (« le laboratoire d’histoire naturelle de M. Klein », 2017) et Make Your Own Unicorn Workshop (« atelier faites votre propre licorne », 2018), font figure de laboratoires ou de terrains de jeu composés de diverses formes, surfaces et textures d’argile, offrant des sites de découvertes visuelles et conceptuelles infinies.

EN

Alejandro A. Barbosa’s artwork The Stain Are We Ourselves (2018) centers on planet Earth and, using print media and video, considers the ways in which images of the world are communicated and disseminated at large. Barbosa (BFA) works with photography, video, and installation and is inspired by current issues surrounding our planet.

FR

Dans The Stain Are We Ourselves (« la tache que nous sommes », 2018), Alejandro A. Barbosa (B. Bx-arts) témoigne de son intérêt pour la Terre. Au moyen de médias d’impression et de vidéos, il examine comment les images du monde sont communiquées et diffusées partout sur la planète. L’artiste se spécialise dans la photographie, la vidéo et les installations, et s’inspire des enjeux planétaires actuels.

EN

Christian Boakye-Agyeman’s LUCID (2018) is a short, ethereal film centered on the lives of three young black men. Interspersed with hazy footage and a rhythmic, electronic pulse, the video drifts between dream and reality, offering intimate glimpses into solemn moments of internal contemplation. Boakye-Agyeman (BFA) is a filmmaker and multidisciplinary artist from Montreal, interested in animation, electronic music, and design.

FR

Dans LUCID (« lucide », 2018), Christian Boakye-Agyeman présente un court-métrage éthéré sur la vie de trois jeunes hommes noirs. Entrecoupée de séquences floues et d’un battement électronique et rythmique, la vidéo oscille entre rêve et réalité, offrant des aperçus intimes de moments solennels axés sur la contemplation interne. Boakye-Agyeman (B. Bx-arts) est un cinéaste et artiste multidisciplinaire de Montréal qui s’intéresse à l’animation, à la musique électronique et au design.

EN

Clara Couzino’s sculptural works explore femininity and domesticity through symbols and objects—ongoing themes in the artist’s multidisciplinary practice. Chair tendre et tâche ménagère (2018) and Are you more breast or butt? (2018) combine linear and shapely forms, and playful, saturated colors, and are image, object, and human all at once. Originally from Quebec City, Cousineau (BFA) incorporates art into every aspect of her academic and personal life.

FR

Les œuvres sculpturales de Clara Couzino (B. Bx-arts) explorent la féminité et le penchant pour les tâches ménagères à travers des symboles et des objets, thèmes récurrents dans la pratique multidisciplinaire de l’artiste. Chair tendre et tâche ménagère (2018) et Are you more breast or butt? (« es-tu du genre poitrine ou derrière? », 2018) combinent des formes linéaires et harmonieuses à des couleurs saturées et pétillantes pour former à la fois des images, des objets et des humains. Originaire de la ville de Québec, Couzino intègre l’art à chaque aspect de sa vie universitaire et personnelle.

EN

Artist Stephanie de Couto Costa (MFA) is interested in process and materials, exemplified in her photolithographic series The Archives (2018). A printed paper illustrated with textile patterns and traditional motifs hangs over a wooden structure like a scroll, and ultimately aims to explore pattern as language.

FR

Stephanie de Couto Costa (M. Bx-arts) s’intéresse aux processus et aux matériaux, comme l’illustre sa série photolithographique The Archives (« les archives », 2018). Une feuille de papier imprimée et illustrée de formes textiles et de motifs traditionnels est suspendue sur une structure en bois, tel un parchemin. L’objectif de l’artiste est d’explorer le motif en tant que langage.

EN

Artist Teresa Dorey (BFA) explores the body in states of healing and vulnerability in her sculptural and performative work Liminal Form (2018). The artwork shows the body through various transitory states and mediums: amorphous porcelain and earthenware sculptures, resembling bone or tissue, sit next to a video, which depicts an abstract narrative of struggle with one of the sculptures.

FR

Dans son œuvre sculpturale et performative intitulée Liminal Form (« forme liminale », 2018), Teresa Dorey (B. Bx‑arts) explore le corps en phase de guérison et de vulnérabilité. Sa création montre le corps à travers différents états transitoires et au moyen de différents supports : porcelaine sans formes et sculptures en terre cuite, os ou tissus qui se ressemblent, vidéo de l’artiste en train de danser avec l’une de ses sculptures, ou de lutter contre elle, à visionner assis, à côté de la vidéo.

EN

For his Egg Crate Chair (2016), Christopher Fusaro (BFA) drew from his background in industrial design and his ongoing preoccupation with furniture and product design. Minimalist and modular in design, Fusaro’s foam sculpture is made of multiple waves—the inspiration behind the artwork itself.

FR

Pour concevoir Egg Crate Chair (« fauteuil en coussin alvéolé », 2016), Christopher Fusaro (B. Bx‑arts) a puisé dans sa formation en design industriel et dans l’attention constante qu’il porte au style des meubles et des produits. Adepte du minimalisme et du design modulaire, il propose une sculpture en mousse formée de nombreuses vagues – qui ont inspiré l’œuvre elle-même.

EN

Camille Marcoux’s Breaking Through the Clouds (2018) comprises multiple hanging textiles of varying sizes and surface treatments, each dyed and printed using plants. Throughout the process of making each tapestry, the artist’s gestures, senses, and thoughts are infused into the very fabric of the artwork, which, combined with the unpredictability of plant dyes, yield varied and unique results. Marcoux (BFA) works primarily with textiles and natural dyes and enjoys experimenting with colour, surface, and materials, and uncovering the limits of these natural processes.

FR

Breaking Through the Clouds (« traverser les nuages », 2018), de Camille Marcoux, présente plusieurs textiles suspendus et de tailles variées. Chacun a subi un traitement de surface, notamment une teinture et une impression à base de plantes. Durant le processus de création de chaque tapisserie, les gestes, les sens et les pensées de l’artiste sont insufflés à même le tissu. Étant donné le caractère imprévisible des teintures végétales, les résultats obtenus sont à la fois diversifiés et uniques. Marcoux (B. Bx-arts) travaille principalement avec les textiles et les teintures naturelles. Elle aime expérimenter les couleurs, les surfaces et les matériaux, et découvrir les limites de ces procédés naturels.

EN

Danielle Oostergo’s Silence My Fears with Hope is an interactive sculpture that invites viewers to reconfigure a façade of stone blocks into new geometric patterns. According to the artist, the installation as a whole represents the accumulated memories and experiences that shape our lives, brick by brick. Oostergo (BFA) grew up on the West Coast and is currently based in Montreal.

FR

Silence My Fears with Hope (« apaisez mes peurs avec l’espoir »), de Danielle Oostergo (B. Bx‑arts), est une sculpture interactive qui invite le spectateur à reconfigurer une façade de blocs de pierre pour créer de nouveaux motifs géométriques. Selon l’artiste, l’installation dans son ensemble représente l’accumulation de souvenirs et d’expériences qui façonnent nos vies, brique par brique. Oostergo a grandi sur la côte ouest et vit actuellement à Montréal.

EN

Born in Winnipeg and based in Montreal, artist Grace Paraluch (BFA) works primarily with large-scale oil painting. Using images collected from public and online archives, this series of paintings draws from personal and collective memories of the severe flooding of 1997 along the Red River bordering Manitoba and North Dakota. Each of the three scenes captures the human intervention amid unpredictable and fluctuating weather conditions; a tense landscape of shifting borders from the rise and fall of floodwater.

FR

Née à Winnipeg et installée à Montréal, l’artiste Grace Paraluch (B. Bx-arts) réalise principalement des peintures à l’huile à grande échelle. Au moyen d’images tirées d’archives publiques et en ligne, sa série de toiles s’inspire de souvenirs personnels et collectifs des importantes inondations de la rivière Rouge, qui ont touché en 1997 le Manitoba et le Dakota du Nord. Chacune des trois scènes dépeint l’intervention humaine dans des conditions météorologiques imprévisibles et instables – des paysages tendus et de frontières changeantes en fonction de la montée ou de la baisse des eaux de crue.

EN

Culminating a background in journalism with an interest in feminism, Clara Quintela’s (BFA) textile installation Everyday 13 imbues meaningful materials with political vigor. Made in collaboration with members of Collectif Brasil-Montréal, the artwork addresses the urgent issue of femicide plaguing Brazil—a country with the fifth highest female murder rate in the world according to a 2015 study. The overlapping white squares, red crosses, and dangling threads pay homage to the victims and attempt to make this widespread problem of gendered violence visible.

FR

Forte d’une formation en journalisme et d’un intérêt pour le féminisme, Clara Quintela (B. Bx‑arts) a créé l’installation textile Everyday 13 (« chaque jour 13 »), dans laquelle des matériaux significatifs sont imprégnés de vigueur politique. Réalisée en collaboration avec des membres du Collectif Brésil-Montréal, l’œuvre aborde le problème urgent du féminicide qui ronge le Brésil – cinquième pays du monde en ce qui concerne le nombre de meurtres de femmes, d’après une étude de 2015. Les carrés blancs et les croix rouges qui se superposent ainsi que les fils suspendus rendent hommage aux victimes et sensibilisent le spectateur à ce problème étendu de violence sexiste.

EN

Sylvia Trotter Ewens (BFA) is a Honduran-Canadian artist working in painting and installation art, whose work engages with environmental ethics and urban ecologies. One Concordia Bin exemplifies her concerns with excess waste; an exaggerated pile of garbage, not unlike the endless detritus that makes up local and global landfills, towers over the viewer and speaks to the urgent and worsening effects of urbanization on the natural world.

FR

Sylvia Trotter Ewens (B. Bx-arts) est une artiste canado-hondurienne spécialisée dans la peinture et les installations. Ses œuvres portent sur l’éthique environnementale et l’écologie urbaine. Dans One Concordia Bin (« une poubelle à Concordia »), elle met de l’avant ses préoccupations quant au gaspillage excessif : une pile exagérée de détritus, qui n’est pas sans rappeler les innombrables déchets s’entassant dans les sites d’enfouissement à l’échelle locale et internationale, domine de très haut le spectateur afin d’illustrer l’urgence d’agir face aux effets de plus en plus marqués de l’urbanisation sur le monde naturel.

EN

Photographer Nabil Azab (BFA) allows for multiple narratives to develop in his photographic triptych The Frame is Holding Me In (2018). Largescale photographs depict a set of hands as they move through a garden. Upon closer inspection, each photo’s wooden frame has been burned by hand, engraved with various inscriptions which act as alternative narratives to the images. A nearby bench and chisel invite viewers to carve out their own thoughts and participate in the construction of the artwork’s meaning.

FR

Le photographe Nabil Azab (B. Bx‑arts) permet le développement de plusieurs récits dans son triptyque photographique à grande échelle The Frame is Holding Me In (« le cadre me retient », 2018), qui représente des mains en mouvement dans un jardin. En examinant de près les photographies, on remarque que chaque cadre en bois a été brûlé à la main et gravé d’inscriptions diverses qui servent de récits alternatifs aux images. À proximité des toiles, un banc et un burin invitent le spectateur à inscrire ses propres pensées afin de contribuer à donner un sens à l’œuvre.

EN

Part book series, part sculptural objects, Jordan Beaulieu’s Town Side, Bog Side combines autobiographical and fictional elements to emphasize an ongoing and indeterminate narrative. Her drawings, some accumulated clusters of words, others void of imagery altogether, are interpreted different by each reader, an altogether unconventional mode of storytelling. Beaulieu (BFA) is from Prince-Edward Island and resides in Montreal.

FR

Dans Town Side, Bog Side (« côté ville, côté marais »), qui tient lieu à la fois de série de livres et de sculptures d’objets, Jordan Beaulieu conjugue des éléments autobiographiques et fictifs pour mettre de l’avant un récit continu et vague. Ses dessins, certains constitués de groupes de mots, d’autres complètement dénués d’imagerie, s’interprètent différemment selon le lecteur, donnant lieu à un mode de narration tout à fait original. Résidant de Montréal, Beaulieu (B. Bx‑arts) est originaire de l’Île-du-Prince-Edward.

EN

Nix Bureau-Oxton’s Identity Materials (2018) explores personal identity through archival fragments. Amassed photos and text, organized into file folders, mimic the consolidating and captioning necessary to creating and maintaining archival collections, but also speaks to our prevalent impulse to document intangible life experiences. Bureau-Oxton (BFA) is a nonbinary artist bases in Montreal whose practice is based in print media.

FR

Nix Bureau-Oxton explore l’identité personnelle en réunissant des fragments d’archives dans Identity Materials (« matériaux identitaires », 2018). Des photographies et des textes organisés en dossiers lui permettent non seulement d’imiter le travail de collecte de données et d’écriture de légendes nécessaire pour créer et maintenir une collection d’archives, mais illustrent également notre tendance courante à documenter nos expériences intangibles. Artiste non binaire, Bureau-Oxton (B. Bx‑arts) vit à Montréal et axe sa pratique sur les médias d’impression.

EN

In its varying pink and yellow hues, Gabrielle Desrosiers’s (BFA) acrylic painting is a recognizable representation of a sky at dusk, but also culminates the artist’s memory of Jerusalem. Having been painted, manipulated, then folded and transported across borders, Sunset 1 (2017), in all its folds and wrinkles, materializes the artist’s travels and the beauty of a landscape amid ongoing tensions.

FR

Dans ses teintes variées de rose et de jaune, la peinture acrylique de Gabrielle Desrosiers (B. Bx‑arts) représente clairement un ciel de crépuscule, et fait par ailleurs référence au souvenir qu’a l’artiste de Jérusalem. Sunset 1 (« coucher de soleil 1 », 2017) a été peinte, manipulée, pliée et transportée à travers les frontières, dans ses plis et replis, afin de matérialiser les voyages de l’artiste et la beauté du paysage au milieu de tensions constantes.

EN

Artist Roxane Fiore (BFA) uses drawing and collage to innovatively explore colour, form, and texture. In her series of charcoal and chalk pastel drawings Untitled 1 & 2 (2018), multi-layered fragments of bright colors and playful shapes spill across the canvas, mixing figuration with abstraction.

FR

L’artiste Roxane Fiore (B. Bx‑arts) recourt au dessin et au collage pour explorer de manière innovante les couleurs, les formes et les textures. Dans sa série de dessins pastel Untitled 1 & 2 (« sans titre 1 et 2 », 2018), réalisés au charbon et à la craie, des fragments stratifiés de couleurs vives et des formes amusantes sont répandus sur les toiles afin de mêler le figuratif à l’abstrait.

EN

Chloé Fortier-Devin’s photographic and sculptural works Xenophora (2018) explores family memory and the life of objects. The artwork’s title references an organism that collects seashells, rocks, and other debris, then builds underwater kingdoms, which maintain harmony and order between multiple species. Fortier-Devin (BFA) became fixated on this specimen, its behaviors and collecting tendencies, while uncovering the history of her grandmother, which she infuses into her depictions of seashells and coral.

FR

Dans Xenophora (« xénophores », 2018), Chloé Fortier-Devin présente des créations photographiques et sculpturales axées sur le souvenir familial et la vie des objets. Le titre de l’œuvre fait référence aux organismes du même nom qui amassent coquillages, roches et autres débris pour former des royaumes aquatiques qui maintiennent harmonie et ordre parmi différentes espèces. C’est en fouillant dans le passé de sa grand-mère, qu’elle insuffle dans ses représentations de coquillages et de coraux, que Fortier-Devin (B. Bx‑arts) s’est découvert une passion pour les xénophores, leur comportement et leur propension à collecter des objets marins.

EN

After finding a stranger’s collection of hand-written notes on the street, artist Paule Gilbert (BFA) repurposed the paper by moulding it to utilitarian objects, then filling the outer shells with shredded debris, and finally sewing each gap closed with red thread. The result: a series of objects or portraits titled Secrets de Famille (2017) that engage with memory through material means, and capture Gilbert’s multidisciplinary practice, which includes papermaking.

FR

Après avoir trouvé dans la rue un recueil de notes manuscrites d’un étranger, Paule Gilbert (B. Bx‑arts) a donné un nouveau sens au papier en le moulant pour en faire des objets utilitaires, en ajoutant à leur enveloppe extérieure des débris déchiquetés, et en recousant chaque trou avec du fil rouge. Il en résulte une série d’objets et de portraits intitulée Secrets de Famille (2017). Celle-ci explore le souvenir par des moyens matériels, et met en lumière la pratique multidisciplinaire de l’artiste, dont la fabrication de papier.

EN

Previously trained as an interior designer, artist Eve Roy (BFA) is interested in ideas of domesticity, femininity, and labour. Her two sculptures Point de vue and Mots coulés harness net, rope, wood, and plaster in interesting ways. However, despite each sculpture’s likeness to utilitarian objects (a hammock and book, respectively), their material conditions ultimately prevent them from performing their function.

FR

Designer d’intérieur de formation, l’artiste Eve Roy (B. Bx‑arts) se penche sur les idées de vie de famille, de féminité et de travail. Dans ses deux sculptures, Point de vue et Mots coulés, elle intègre filet, corde et plâtre de manière intéressante. Or, si chacune des sculptures s’apparente à un objet utilitaire (un hamac et un livre, respectivement), leur état matériel les empêche de s’acquitter de leur fonction.

EN

Sarah Shaw’s playful installation orange #fd5f00, green #00a764, black #020202, white #ffffff, (2018) bridges digital software into the gallery space. Shaw (BFA) borrows visual elements from photo-manipulation programs like Photoshop and Illustrator, and makes them physical through gesso, acrylic, and spray-painted laser-cut wood forms.

FR

Dans son installation ludique intitulée orange #fd5f00, green #00a764, black #020202, white #ffffff (« orange #fd5f00, vert #00a764, noir #020202, blanc #ffffff », 2018), Sarah Shaw (B. Bx‑arts) jette des ponts entre les logiciels numériques et l’espace de la galerie. L’artiste emprunte des éléments visuels de programmes de manipulation photographique comme Photoshop et Illustrator pour créer des formes physiques de bois coupées au laser et enduites de gesso, d’acrylique et de peinture au pistolet.

EN

Artist Iseult Schreiber (BFA) works with chalk pastel and colored pencils and creates ambiguous forms to represent the intangibility of thoughts and dreams. The repeated, light marks in Miniature (2017) evokes the subconscious, and invites viewers to step closer, pulling them into a miniature world.

FR

L’artiste Iseult Schreiber (B. Bx‑arts) dessine aux craies pastel et aux crayons de couleur des formes ambiguës qui représentent le caractère intangible des pensées et des rêves. Les traits légers et répétés de Miniature (2017) évoquent le subconscient et invitent le spectateur à s’approcher pour entrer dans un monde miniature.

EN

Lea Schwarz (BFA) blends weaving with unconventional materials and technologies, specifically in the form of electronic textiles which are sound-responsive or generate optical effects. This series of weavings plays with time and space, using overlapping moiré patterns which reveal hidden visual qualities apparent only when the viewer is in motion. 

FR

Lea Schwarz (B. Bx‑arts) conjugue le tissage et des technologies et matériaux non conventionnels pour en faire des textiles électroniques qui réagissent aux sons et génèrent des effets optiques. Cette série de tissages joue avec l’espace et le temps, et recourt à l’effet de chevauchement moiré pour révéler des aspects visuels cachés qui n’apparaissent que lorsque le spectateur est en mouvement.

EN

Timothy Thomasson’s Aquarium (2018) is a series of familiar animated environments, whose walls are generated by algorithms then populated with objects from a database, which, in turn, change unpredictably each time the application is run. Thomasson (BFA) works with film, sound, and animation to create new spaces and systems that distort ideas of identity and social structure. 

FR

Dans Aquarium (2018), Timothy Thomasson (B. Bx‑arts) présente une série d’environnements familiers animés, dont les murs sont générés par des algorithmes, puis peuplés d’objets issus d’une base de données qui, en retour, change de manière imprévisible chaque fois que l’application est lancée. L’artiste recourt au film, au son et à l’animation pour créer de nouveaux espaces et systèmes qui déforment les idées d’identité et de structure sociale.

EN

Performance-video work Compassionate Objects (2018) embodies the Ruth Webber-Juggoo’s (BFA) desire to explore and communicate challenging feelings or life experiences and help others unpack their own. Throughout the video’s three segments, the performer uses objects to process and project complex emotions like shame, anger, frustration, and helplessness as a means of coping with and working through internal struggles.

FR

La vidéo performance Compassionate Objects (« objets compatissants », 2018) incarne le désir de Ruth Webber-Juggoo (B. Bx‑arts) d’explorer et de communiquer des sentiments ou des expériences de vie difficiles, et d’aider les autres à en faire de même. Durant les trois segments de la vidéo, l’artiste utilise des objets pour aborder et projeter des émotions complexes comme la honte, la colère, la frustration et l’impuissance, et ce, comme moyen de faire face aux conflits intérieurs et de les surmonter.