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Exhibitions, Arts & culture

Exhibition
The Rebel Yells:
Dress and Political Re-dress in Contemporary Indigenous Art


Date & time
Monday, April 20, 2015 –
Friday, May 29, 2015
11 a.m. – 7 p.m.
Cost

Admission is free

Where

Computer Science, Engineering and Visual Arts Integrated Complex
1515 St. Catherine W.
Room FOFA Gallery, EV-1-715

Wheel chair accessible

Yes

Main Space, Black Box and Ste-Catherine street Vitrine /
Espace principal, boite noire et vitrine St-Catherine

(La version française suit l'anglais)

Shelley Niro, The Rebel, 2014 (originally printed in 1987)

EN

Curators: Lori Beavis and Rhonda L. Meier
Artists: Shelley Niro, Sonny Assu, Lori Blondeau, Dana Claxton, Dayna Danger, Rosalie Favell, David Garneau, Terrance Houle, Meryl McMaster, Mike Patten, Skawennati

The exhibition explores the impact of The Rebel, a photograph by Shelley Niro. Now iconic in the history of Canadian Indigenous art, it captures Niro’s mother casually dressed and grinning mirthfully, reclined like a pin-up girl on the trunk of the family car, a vintage Rebel. 

Curators Lori Beavis and Rhonda Meier argue that The Rebel marked a key moment in the politics of indigenous self-representation, and was influential for generations to come. In addition to Niro, they have selected ten artists from across Canada whose work has been influenced by The Rebel.   Each addresses the problematics of representation from their critical positions as aboriginal people within the charged Canadian political landscape. 

The exhibition thus provides the opportunity to discuss issues of representation, stereotypes, and identity in a revitalized way.

Exposition
Le cri rebelle : habillement et redressement politique dans l’art autochtone actuel

20 avril - 29 mai 2015

Commissaires : Lori Beavis et Rhonda L. Meier
Artistes : Shelley Niro, Sonny Assu, Lori Blondeau, Dana Claxton, Dayna Danger, Rosalie Favell, David Garneau, Terrance Houle, Meryl McMaster, Mike Patten, Skawennati

FR

L’exposition examine l’impact de la photo The Rebel (« la rebelle ») de Shelley Niro. Véritable icône de l’histoire de l’art autochtone canadien, ce portrait dépeint la mère de l’artiste souriant gaiement, vêtue de façon décontractée et étendue comme une « pin‑up » sur le coffre de la voiture familiale, une AMC Rebel d’époque.

Selon les conservatrices Lori Beavis et Rhonda Meier, cette image a marqué un tournant dans la politique de l’autoreprésentation autochtone et elle a influencé les générations subséquentes. Elles ont sélectionné dix autres artistes canadiens dont l’œuvre s’inspire de l’emblématique photo. Chacun d’eux aborde de son propre point de vue critique en tant qu'autochtone la problématique de la représentation dans le contexte politique tendu du pays.

L’exposition permet ainsi de revisiter le débat sur les questions de représentation, de stéréotype et d’identité.

Biographies

Curators / Commissaires

EN

Lori Beavis is a PhD candidate in Art Education, Faculty of Fine Arts at Concordia University. Her current doctoral research originated with archival material related to her Mississauga grandmother’s schooling at an on-reserve school at Hiawatha First Nation on Rice Lake, Ontario. Her dissertation research considers the connections between cultural identity and art experiences as a site of exploration throughout the lives of selected contemporary First Nation artists.   

FR

Lori Beavis est doctorante en éducation artistique à la Faculté des beaux-arts de l’Université Concordia. Ses recherches actuelles sont issues de documents d’archives concernant l’éducation qu’a reçue sa grand-mère de Mississauga, à une école située dans une réserve du lac Rice, en Ontario, où vit la Première Nation d’Hiawatha. Sa thèse porte sur les connexions entre identité culturelle et expériences artistiques en tant que lieu d’exploration dans le parcours de certains artistes contemporains des Premières Nations. 

EN

For over a decade, Rhonda Meier has devoted much of her curatorial practice to decolonization through collaboration with aboriginal artists. In 2002 she curated Nadia Myre’s first major solo exhibition (with monograph) Cont[r]act: new work by Nadia Myre at Oboro. A former educator at the Musee d’art contemporain, she has worked extensively with artist-run centres, including articule, where she is currently president of the board. Also, she is an administrator on the board of VIVA! Art Action performance festival. Meier has published in Canadian Art, C Magazine, and in Changing Hands for the Museum of Art and Design, New York.  

FR

Depuis plus d’une décennie, Rhonda Meier consacre en grande partie ses efforts au phénomènede la décolonisation dans le cadre de sa pratique de commissariat auprès d’artistes autochtones. Dès 2002, elle a organisé la première grande exposition solo (avec monographie) de Nadia Myre, intitulée Cont[r]act: new work by Nadia Myre, à la galerie Oboro. Mme Meier a été éducatrice au Musée d’art contemporain de Montréal et a beaucoup collaboré avec des centres d’art autogérés, notamment articule, dont elle est présidente du conseil d’administration. Elle siège également en qualité d’administratrice au conseil du festival culturel VIVA! Art Action. Rhonda Meier a publié des écrits dans Canadian Art, C Magazine et Changing Hands (Musée d’arts et de design, New York).

 
Artists / Artistes

EN

Senior Mohawk artist Shelley Niro (1954- ) is respected for her practice in painting, photography, sculpture, and film. Her short film The Shirt was acclaimed at both the Venice Biennale (2003) and the Sundance Film Festival (2004). Often employing herself and her family, Niro’s work challenges and complicates prevailing images of aboriginal people from her own standpoint. Frequently humorous and playful, her work challenges notions of native identity as frozen in history and subject to victimization. 

FR

Artiste mohawk chevronnée, Shelley Niro (1954 – ) est respectée pour sa pratique de la peinture, de la photographie, de la sculpture et du cinéma. Son court métrage The Shirt a été salué à la Biennale de Venise (2003) et au Festival du film de Sundance (2004). Dans son œuvre, Mme Niro se met fréquemment en scène ou se sert de ses proches comme modèles. Ainsi, elle complexifie et remet en question selon son propre point de vue les images dominantes véhiculées sur les autochtones. Souvent plein de jeux et d’humour, son travail bouscule les notions d’identité autochtone en tant que concepts figés dans l’histoire et objets de victimisation.  

EN

Through museum interventions, large-scale installations, sculpture, photography, printmaking and paintings, Sonny Assu (1975- ) merges the aesthetics of Northwest Coast iconography with a pop art sensibility in an effort to address contemporary political and ideological issues. Assu uses his work to form a dialogue towards the loss of language, loss of cultural resources and the effects of colonization upon the Indigenous people of North America. Sonny received the distinguished alumni award from Emily Carr University in 2006; the BC Creative Achievement Award in First Nations art in 2011 and was long-listed for the Sobey Art Award in 2012 and 2013.

FR

Au moyen d’interventions muséales, d’installations à grande échelle, de la sculpture, de la photographie, de l’imprimerie et de la peinture, Sonny Assu (1975 – ) fait converger l’esthétique de l’iconographie de la côte nord-ouest de la Colombie-Britannique avec la sensibilité du pop art. En d'abordant divers concepts idéologiques et politiques actuels, Assu cherche à susciter par le biais de ses oeuvres un dialogue par rapport aux effets de la colonisation sur les peuples autochtones de l'Amérique du Nord et de la perte de ressources culturelles qui en résulte. Sonny Assu reçu une distinction parmis les diplomés du l'Université Emily Carr en 2006, le prix BC Creative Achievement Award in First Nations Art en 2011 et fut retenue lors de la première sélection au prix Sobey pour les arts à deux reprises, en 2012 et en 2013. L'artiste est d’origine liǥwildaʼx̱w (We Wai Kai), tribu des nations kakwaka’wakw.

EN

Belle Sauvage, Cosmosquaw, and Betty Daybird are some of the stage personas Lori Blondeau (1964-) deploys to embody the clash between prevailing views of Indigenous women and notions of white femininity. They illuminate the hostile social climate aboriginal women negotiate with wit and pathos. Blondeau is a Cree/Saulteaux/Metis performance artist based in Saskatoon. Co-founder and Executive Director of the innovative organization TRIBE, in the last two decades, she has performed across North America, and at the Venice Biennale.  

FR

Belle Sauvage, Cosmosquaw et Betty Daybird font partie des personnages que revêt Lori Blondeau (1964 – ) pour incarner l’affrontement entre les images dominantes de la femme autochtone et les notions de féminité blanche. Ces différents visages illuminent avec esprit et éloquence le climat social hostile dans lequel évoluent les femmes autochtones. Artiste de performance crie-saulteaux et métisse, Mme Blondeau vit à Saskatoon. Elle est cofondatrice etdirectrice générale de l’organisme novateur TRIBE. Au cours des deux dernières décennies, elle a présenté son art partout en Amérique du Nord et à la Biennale de Venise.

EN

Of Hunkpapa Lakota Sioux ancestry, Dana Claxton (1959-) works in film and video, multi-channel, photography and performance. Her work is held in numerous public collections and has been screened internationally, including at New York’s Museum of Modern Art, the Walker Art Centre, Sundance Film Festival, and in Hong Kong. Claxton investigates colonization, body imagery, beauty, politics, spirituality and the iconography of Native peoples. Through video, photography and conceptual projects, she blends traditional experiences and environments with contemporary spaces.  

FR

De descendance hunkpapa, lakota et sioux, Dana Claxton (1959 – ) est cinéaste-vidéaste, artiste installationiste et de performance, ainsi que photographe. Ses œuvres font partie de nombreuses collections publiques et ont été présentées sur la scène internationale, notamment au Musée d’art moderne de New York, au Centre des arts W alker, au Festival du film de Sundance et à Hong Kong. Mme Claxton explore les thèmes de la colonisation, de l’image corporelle, de la beauté, de la politique, de la spiritualité et de l’iconographie chez les peuples autochtones. Faisant appel à la vidéo, à la phographie et à des projets conceptuels, elle conjugue expériences et environnements traditionnels avec espaces contemporains.

EN

Dayna Danger (1987- ) is an emerging Metis/Ojibway/Polish artist raised in Winnipeg, where she completed her BFA (Honours) at the University of Manitoba (2010). From 2010-2012 she first worked, then completed an Aboriginal residency at The Banff Centre. Her work has been displayed at the New Mexico Museum of Art in Santa Fe (2011) and was featured at Urban Shaman, Winnipeg (2014). Danger works in digital photography, sculpture, installation and performance to re-interpret history, traditions, the patriarch, feminism, religion, gender, anamalia, fetishism and girl versus girl mentalities. She is currently enrolled in Concordia University's MFA in Studio Arts (Photography). 

FR

De descendance métisse, polonaise et ojibwée, Dayna Danger (1987- ) a grandi à W innipeg et étudié à l’Université du Manitoba, où elle a obtenu un baccalauréat en beaux-arts (avec distinction). De 2010 à 2012, elle a d’abord travaillé, puis effectué une résidence destinée aux artistes autochtones au Centre d’arts de Banff. Ses œuvres ont été présentées au Musée d’art du Nouveau-Mexique (2011), à Santa Fe ainsi qu'au centre d'artistes Urban Shaman à W innipeg (2014). Férue de photographie numérique, de sculpture, d’installations et de performance, Dayna Danger réinterprète l’histoire, les traditions, le féminisme, la religion, le genre, le royaume animal, le fétichisme et les mentalités opposant les filles entre elles. Elle est actuellement inscrite au programme de maîtrise en arts plastiques (photographie) à l’Université Concordia.  

EN

Rosalie Favell (1958- ) is a photo-based artist, born in Winnipeg, Manitoba. Drawing inspiration from her family history and Métis (Cree/English) heritage, she uses a variety of sources, from family albums to popular culture, to present a complex self-portrait of her experiences as a contemporary aboriginal woman. Her work has appeared in exhibitions in Canada, the US, Edinburgh, Scotland, Paris, France and Taipei, Taiwan. She has received numerous grants, and won prestigious awards such as the Chalmers Fellowship, the Victor Martyn Lynch-Staunten Award and the Karsh Award. A graduate of Ryerson Polytechnic Institute, Rosalie holds a Master of Fine Arts degree from the University of New Mexico. She has studied and taught extensively at the post-graduate level. She has worked with grassroots organizations in Winnipeg, with Inuit educational groups and Discovery University in Ottawa and Nepalese women’s groups in Katmandu.    

FR

Rosalie Favell (1958 – ) est né et a grandi à W innipeg au Manitoba. Se servant fréquemment d’albums de famille comme matière première, l'artiste évoque son histoire familiale et ses ancêtres métis (Cris / Anglais) dans son art. Manipulées numériquement et combinées avec des images issues des médias de masse, de la culture populaire et de l’univers des princesses guerrières, ses œuvres présentent un portrait à la fois complexe et multidimensionnel de son expérience en tant que femme autochtone. Ses oeuvres ont été présentées au Canada, aux États-Unis, à Edimbourg (Écosse), à Paris (France) et à Taipei (Taiwan). Lauréate du prix Karsh 2012, elle a également reçu le prix Victor-Martyn-Lynch-Staunton et la bourse de recherche artistique Chalmers du Conseil des arts de l’Ontario. Elle a complété ses études de second et de troisième cycle, en plus d' assurer l'enseignement de nombreux cours à ces niveaux. Elle a travaillé conjointement auprès d'organisations populaires engagées de W innipeg, de groupes éducationels Inuits ainsi qu'avec l'Université Discovery à Ottawa, et de regroupements de femmes népalaises à Katmandou.

EN

David Garneau (1962- ) is Head of Visual Arts at the University of Regina. His practice includes painting, performance art, curation, and critical writing. His work is present in numerous Albertan and Saskatchewan institutions, and the Canadian Museum of Civilization. He is the only artist whose work is in the collection of the Canadian Parliament. The artist is most interested in the collision of nature and culture, metaphysics and materialism, and in contemporary Indigenous identities. 

FR

Chef du département d’arts visuels à l’Université de Regina, la pratique artistique de David Garneau (1962- ) inclut la peinture, l'art performance, le commissariat et l'analyse critique. Ses réalisations sont présentes dans de nombreux établissements albertains et saskatchewannais, ainsi qu’au Musée canadien des civilisations. Il est le seul artiste dont l’œuvre figure dans la collection du Parlement canadien. L'artiste s'intéresse principalement aux expressions contemporaines des identités Autochtones et aux conflits présents entre la nature et la culture et entre la métaphysique et le matérialisme.  

EN

One year after graduating from the Alberta College of Art and Design, Terrance Houle’s (1975- ) film Wagonburner won Best Experimental Film at ImagiNATIVE 2004. Since then his work has received multiple awards and opportunities, has been presented across Canada, in the United States, Europe, Latin America, Australia - and been longlisted for the 2008 Sobey Award. A member of Alberta’s Blood Reserve, Houle's practice includes performance, photography, video/film, music, painting and tools of mass dissemination. Terrance Houle lives and maintains his art practice in Calgary, Alberta and is a founding member of Indigeneity Artist Collective Society. 

FR

Un an après avoir obtenu son diplôme du Collège d’art et de design de l’Alberta, Terrance Houle (1975- ) a remporté, en 2004, le prix du meilleur film expérimental au Festival imagineNATIVE avec son court métrage The Wagonburner. Depuis, son œuvre a été présentée partout au Canada, ainsi qu'aux États-Unis, en Europe, en Amérique latine et en Australie. Il a figuré sur la liste préliminaire du prix Sobey pour les arts 2008. Membre de la réserve des Blood en Alberta, la pratique artistique de cet artiste pluridisciplinaire inclue la performance, la photo, le film/vidéo, la musique, la peinture, et différents modes de communication de masse. Terrance Houle habite et maintient sa pratique artistique à Calgary on Alberta. Il est membre fondateur de la Indigeneity Artist Collective Society.  

EN

Meryl McMaster (1988- ) is an Ontario-based artist of Plains Cree/British and Dutch origin. She is a BFA graduate from OCAD University. The recipient of numerous awards and distinctions, including the Charles Pachter Prize and an Eiteljorg Fellowship, her work has been included in numerous collections throughout Canada and the US and has been acquired by various public collections including the Canada Council Art Bank, the City of Ottawa, the Justina M. Barnicke Gallery - University of Toronto, and the Art Gallery of Ontario. Her often-intricately finished works raise questions of identity, representation, perception, history, myth, memory, and the environment. McMaster is represented by the Katzman Contemporary gallery in Toronto. 

FR

Diplomé de l'Université OCAD (l’École d’art et de design de l’Ontario), Meryl McMaster (1988 – ) est d'origine crie des plaines, britanique et hollandaise. Elle est lauréate de nombreux prix et distinctions, dont le prix Charles-Pachter et la bourse de recherche Eiteljorg. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections au Canada comme aux États-Unis et fait parti de plusieurs collections publiques y inclu celles de la banque d’œuvres d’art du Conseil des arts du Canada, de la ville d’Ottawa, de la galerie Justina-M.-Barnicke de l’Université de Toronto et du Musée des beaux-arts de l’Ontario. Souvent finement travaillés, ses œuvres invitent au questionnement, notamment sur l'identité, la représentation, la perception, l’histoire, le mythe, la mémoire et l'environnement. Mme McMaster est représentée par la galery Katzman Contemporary à Toronto.  

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Born in Regina of Cree and European descent, Mike Patten (1977- ) is a multidisciplinary artist based in Montreal. He has participated in solo and group exhibitions nationally and internationally, notably Neutral Ground (Regina), Pierre-François Ouellette art contemporain (Montreal), The Foreman Gallery of Bishops University (Lennoxville) and LOOP international video art Festival (Spain). In his early career, Patten drew upon his Minor in Art History to create work with an underlying conceptual basis. That conceptual bent remains as he deploys sculpture and beadwork to probe difficult realities of masculine urban aboriginal experience.

FR

Né à Regina, de descendance crie et européenne, Mike Patten (1977- ) est un artiste multidisciplinaire établi à Montréal. Ses réalisations ont été présentées dans le cadre d’expositions solos et collectives au Canada et à l’étranger, entre autres à la galerie d’art Neutral Ground (Regina), chez Pierre-François Ouellette art contemporain (Montréal), à la galerie Foreman de l’Université Bishop’s (Lennoxville) et au Festival international d’art vidéo LOOP (Espagne). Au début de sa carrière, M. Patten a tiré parti de sa mineure en histoire de l’art pour produire une œuvre au fondement conceptuel. Encore aujourd’hui, on devine cette courbe conceptuelle dans son travail, notamment dans le déploiement de ses ouvrages de sculpture et de perlage, où l’artiste sonde les dures réalités de l’expérience masculine autochtone en milieu urbain.

EN

Skawennati (1969- ) makes art that addresses history, the future, and change. Her work has been widely exhibited across Turtle Island, most recently at the Montreal Bienniale, and is included in the several collections, including the Canada Art Bank, the Eiteljorg Museum and the Edd J. Guarino Collection. Born in Kahnawake Mohawk Territory, Skawennati is based in Montreal. She holds a BFA and a graduate certificate from Concordia and is Co-Director, with Jason E. Lewis, of Aboriginal Territories in Cyberspace (AbTeC), a research network of artists, academics and technologists investigating, creating and critiquing Indigenous virtual environments. 

FR

Abordant les notions d’histoire, d’avenir et de changement, les œuvres de Skawennati ont été largement exposées dans toute l’île de la Tortue et plus récemment à la Biennale de Montréal. Elles font en outre partie de plusieurs collections, dont celles de la Banque d’art du Conseil des arts du Canada, du musée Eiteljorg et d’Edd J. Guarino. Née sur le territoire mohawk de Kahnawake, Skawennati vit et travaille à Montréal. Détenant un baccalauréat en beaux-arts et un certificat de 2e cycle de l’Université Concordia, elle codirige, avec Jason E. Lewis, AbTeC (Aboriginal Territories in Cyberspace, « territoires autochtones dans le cyberespace »), un réseau de recherche composé d’artistes, d’universitaires et de technologues voués à la création, à l’exploration et à la critique d’environnements virtuels autochtones.

Special thanks / Remerciements

Jason Lewis (Trudeau Fellowship, Concordia University Research Chair in Computational Media and the Indigenous Future Imaginary / bourse de recherche Trudeau, chaire de recherche sur les médias numériques et l’imaginaire futuriste autochtone, Obx Labs / Territoires autochtones dans le cyberespace, and Obx Labs / Aboriginal Territories in Cyberspace), Dr. Heather Igloliorte (Research Chair in Indigenous Art History and Community Engagement / chaire de recherche de l’Université Concordia en histoire de l’art et participation communautaire autochtones Concordia University), Kelly MacKay, Andrew Elvish, the Dean's Office Faculty of Fine Arts / l'équipe du bureau du doyen de la faculté des beaux-arts, Concordia Council on Student Life (CCSL) / le Conseil de la vie étudiante de Concordia, Concordia University Alumni Association / Association des diplômés de l’Université Concordia, Celsius Communications, Canada Council for the Arts / le Conseil des arts du Canada

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